lunes, 10 de agosto de 2015

postheadericon Mr. Turner



El cine, al igual que cualquier otro medio artístico nacido con anterioridad o posterioridad, se ha visto influido por las demás artes surgidas anteriormente o con las cuales ha convivido, claro ejemplo de ello es la pintura, que ha dejado una profunda e innegable huella en el séptimo arte. Por citar un caso concreto, resultan ineludibles las obras de Edward Hopper, unos retratos minimalistas y melancólicos de la sociedad americana de las décadas comprendidas entre los 20 y los 60, poseedoras de un empaque cinematográfico que muchos directores llegaron a copiar o a trasladar a sus propias obras, como son el caso de lienzos tan conocidos como Nighthawks o The House by the Railroad (que se acabó convirtiendo en la casa de Norman Bates en Psicosis). Otro pintor realmente inspirador para el cine fue William Turner, con sus vaporosas y etéreas pinturas que, rompiendo con las figuras claramente definidas, logran plasmar desastres meteorológicos, como en Steam-Boat off a Harbour's Mouth in Snow Storm, o la sensación de movimiento en una imagen estática, la conocida obra de Lluvia, vapor y velocidad. En Mr. Turner, Mike Leigh realiza un retrato del conocido pintor londinense.

postheadericon Xavier Dolan: Laurence Anyways y Mommy


El director francocanadiense Xavier Dolan ha conseguido en pocos años hacerse con el reconocimiento de la crítica internacional, logrando una gran cantidad de premios y nominaciones en múltiples y prestigiosos festivales cinematográficos entre los que destacan el Festival de Cannes, siendo galardonado con el premio Un Certain Regard y El Premio del Jurado, por Laurence Anyways y Mommy respectivamente. Comenzó su carrera cinematográfica muy tempranamente como actor, haciendo su primera aparición con tan solo cinco años, continuando con la misma hasta el presente. Sin embargo, la faceta que le catapultó definitivamente a la fama fue la de director y guionista, cargo en el cual debutó con veinte años con su primer largomentraje Yo maté a mi madre. Desde entonces, cuatro largos más y un cortometraje han seguido a este primero, consagrando definitivamente a este jovencísimo director. Posiblemente sus dos películas más conocidas y representativas, y por lo tanto más acertadas para poder construir una visión general de la filmografía del autor, sean Laurence Anyways y Mommy, que pasaremos a comentar a continuación.

postheadericon Del trazo al píxel


De manera humilde y aunque sea en un segundo o incluso tercer plano, la animación española, sin llegar a constituirse como una industria de por sí, ha logrado generar una gran cantidad de obras, algunas de ellas realmente destacables, que no debemos permitir que caigan en el olvido. Hace ya más de cien años de las consideradas como primeras animaciones que se realizaron en nuestro país, período que ya se puede considerar un capítulo importante en nuestra historia y que se debe registrar de alguna forma y, para ello, la editora de DVDs Cameo nos presenta un digipack formado por tres discos y un libro que realiza un extenso y concienzudo repaso por todo este olvidado capítulo de nuestro cine.
martes, 14 de abril de 2015

postheadericon Jim Jarmusch


Jim Jarmusch es uno de los máximos exponentes del cine independiente norteamericano, con una firme reputación que ha ido forjando desde la realización de su opera prima en 1980, Permanent Vacation, en la que ya dejaba sentadas las bases de las diversas derivas que tomaría a lo largo de toda su carrera. Tanto a nivel de contenido como de forma, su cine resulta ser muy reconocible y personal, construyendo una idiosincrasia propia, aunque también cumple con todos los clichés y estereotipos del cine independiente.

El tema principal que recorre la totalidad de su filmografía, ya sea en primer o en segundo término, es su propia visión de Norteamérica. Los Estados Unidos concebidos como una tierra de igualdad y de oportunidades quedan sepultados tras una amarga visión, en la que Jarmusch se acerca a los sectores más desfavorecidos, a los vividores y pobres diablos que haraganean para poder subsistir mediante estafas o trabajos poco o nada agradecidos. Lo cómico, absurdo y desconcertante se asimila como parte de la rutina urbana, y los peculiares personajes que recorren sus películas parecen estar contagiados de una locura intrínseca a Norteamérica; como sucede en Dead Man, que termina por desensibilizar a un cándido e inofensivo William Blake.

postheadericon La sal de la tierra


Sebastião Salgado es uno de los mejores y más reconocidos fotógrafos del panorama actual. Su conciencia social le ha llevado a recorrer países de extrema pobreza y enfrascados en conflictos bélicos para denunciar a través de su arte terribles injusticias que, o bien escapan a la opinión pública o no se les pone el punto final que merecerían. A su vertiente más social se une también la ecológica, en la que, junto a su mujer, Salgado crea el proyecto Instituto Terra, a través del cual busca el repoblar una selva totalmente devastada de Brasil. A este se le suma el que es hasta la fecha su proyecto más ambicioso, Génesis, en el que recorre una gran cantidad de espacios  naturales a lo largo de todo el globo buscando capturar la belleza natural de este mundo en el que vivimos.

Al otro lado de la cámara, o frente a la de Salgado, se encuentra Wim Wenders acompañado del hijo del fotógrafo. Wenders, director de películas tan destacadas como la magistral París, Texas o El cielo sobre Berlín, se acerca a la vida y, principalmente, a la obra de Sebastião Salgado, dejando que las impactantes, crudas y bellas fotografías del brasileño hablen por sí solas, ya que tienen mucho que decir.
martes, 17 de marzo de 2015

postheadericon 20000 noches en la tierra


El documental es uno de los géneros cinematográficos que más se prestan, por su propia naturaleza, a jugar con la dicotomía entre realidad y ficción. Dependiendo del enfoque que se le dé podrá lograr otorgar veracidad a acontecimientos que puedan ser reales o no, pero también dar por falso aquello que es verdadero. Algunas historias resultan tan increíbles como la relatada en Garbo, el espía o El impostor, que no pueden hacer otra cosa que acentuar su carácter ficcional, aunque siempre buscando una finalidad muy concreta. La narración del cine de ficción, la invisibilización de la cámara y un montaje tradicional se dan cita en 20000 noches en la tierra, creando un híbrido que se aleja considerablemente de lo que debería ser un documental dentro de los cánones tradicionales.

A lo largo de la hora y media de duración de la cinta seguimos la pista de Nick Cave, el famoso cantante de origen australiano. Este recorrido nos llevará desde momentos de profunda reflexión con su psicólogo hasta uno de sus últimos conciertos, pasando por el proceso de creación de sus canciones.

postheadericon Winter Sleep


Los diversos festivales de cine europeos son excelentes plataformas de distribución para cientos de cintas que, de otra forma, jamás llegarían a entrar en un circuito comercial que las mueva a nivel mundial. Para el director de origen turco Nuri Bilge Ceylan, el Festival de cine de Cannes supuso un trampolín de salida que le permitió darse a conocer ya en los años 90, y más aún con sus más recientes obras que están llamando especialmente la atención de la crítica profesional. En 2014, tras su paso por el festival en varias ocasiones, recibe finalmente el máximo reconocimiento de Cannes por su obra Winter Sleep.

Un anciano actor ya jubilado se ha retirado a dirigir un hotel en Anatolia. Se encuentra distanciado de su joven mujer, y llegado el invierno, en la soledad del edificio, Aydin se afligirá por la deriva que ha tomado su vida. 

postheadericon The Congress


Dos grandes autores se dan cita en la última película de Ari Folman, The Congress. Uno de ellos es el propio director, Folman, que hace cinco años se dio a conocer con esa pequeña gran joya que es Vals con Bashir, un film inteligente, profundo y muy hermoso. El otro es ese gran escritor polaco de ciencia-ficción que fue adaptado hace ya cuarenta años por Andrei Tarkovsky,: Stanislaw Lem. El director israelí adapta al escritor en su última película; tras cinco años de espera las expectativas habían ido creciendo, y el resultado ha sido bastante decepcionante.

Robin Wright interpreta a Robin Wright, una actriz venida a menos a la que le ofrecen dejar la interpretación para siempre con un sueldo fijo a cambio de que preste su cuerpo para ser escaneado y posteriormente animado, creando películas con su imagen sin que ella actúe realmente. Veinte años después Robin asiste a un Congreso de futurología (título del libro de Lem), pero al cruzar un paso a nivel pasará del mundo real a otro onírico y surrealista en el que la imagen real se transforma en animación que recuerda a la de Osamu Tezuka, Walt Disney e incluso, en momentos puntuales, Hayao Miyazaki.

postheadericon Sangre fácil


La filmografía de los hermanos Coen, si bien resulta irregular y tiene grandes tropiezos, en conjunto ofrece un balance muy positivo. Con obras como Fargo, No es país para viejos, Un tipo serio o Valor de ley, resulta innegable que son dos de los cineastas más brillantes de los últimos veinte años, poseedores de un estilo propio muy claramente marcado por un particular humor negro que son capaces de imprimir en los géneros más inverosímiles. Desde sus primeras obras dejaban ver que tenían un altísimo potencial, talentosa originalidad y un estilo personal definido. Con Sangre fácil, su ópera prima, consiguieron rápidamente llamar la atención de la crítica y sentar las bases de lo que posteriormente sería su excelente carrera cinematográfica.

Abby es una atractiva joven casada que se escapa con su amante, Ray. Su marido, Julian, para quien trabaja Ray, es un tipo violento y vengativo incapaz de soportar la traición de su mujer, por lo que contrata a un investigador privado para que asesine a ambos fugitivos. La situación no tardará en enredarse, las traiciones se suceden y los engaños y la desconfianza complicarán esta desesperada y violenta huida.

postheadericon Magical Girl


En 2011 se estrenó vía online el primer largometraje de Carlos Vermut, director conocido únicamente por tener unos cuantos cortometrajes en su filmografía, entre los que destaca Maquetas, ganador de la séptima edición del Notodofilmfest. Mientras que los cortos que ha realizado son interesantes pero no especialmente destacables, su ópera prima, Diamond Flash, demostró que nos encontrábamos ante un emergente y excepcional nuevo talento de nuestro cine. Aunque la distribución no se realizó a través de salas, más que una proyección en Madrid, la obra atrajo la atención de múltiples críticos que avalaron su original propuesta. El boca a boca y las positivas críticas que despertó le sirvieron para levantar un proyecto mucho más serio y dentro de los circuitos comerciales cinematográficos tradicionales: Magical Girl.

Luis es un profesor en paro cuya hija de doce años tiene un cáncer terminal inoperable. Ante el avanzado estado de la enfermedad de Alicia, Luis quiere regalarle el traje de una serie anime que a ella le encanta, pero debido a la precaria situación económica en que se encuentra le resulta casi imposible. El padre terminará optando por chantajear a una desconocida para tratar de obtener la altísima suma de dinero que necesita para el capricho de Alicia. Luis pasará el testigo protagonista a Bárbara, que tratará de obtener el dinero que el primero le exige adentrándose en un mundo sórdido y peligroso. Cerrando el trío protagonista está Damián, cuyo pasado está íntimamente ligado al de Bárbara, y cuyo presente lo estará al de Luis.

ÚLTIMO PROGRAMA

Aquí tenéis el último podcast, el cual fue emitido el pasado lunes en la 89.6 FM en Radio Betis, si vives en Sevilla o por streaming en http://www.realbetisbalompie.es/multimedia

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