martes, 17 de marzo de 2015

postheadericon 20000 noches en la tierra


El documental es uno de los géneros cinematográficos que más se prestan, por su propia naturaleza, a jugar con la dicotomía entre realidad y ficción. Dependiendo del enfoque que se le dé podrá lograr otorgar veracidad a acontecimientos que puedan ser reales o no, pero también dar por falso aquello que es verdadero. Algunas historias resultan tan increíbles como la relatada en Garbo, el espía o El impostor, que no pueden hacer otra cosa que acentuar su carácter ficcional, aunque siempre buscando una finalidad muy concreta. La narración del cine de ficción, la invisibilización de la cámara y un montaje tradicional se dan cita en 20000 noches en la tierra, creando un híbrido que se aleja considerablemente de lo que debería ser un documental dentro de los cánones tradicionales.

A lo largo de la hora y media de duración de la cinta seguimos la pista de Nick Cave, el famoso cantante de origen australiano. Este recorrido nos llevará desde momentos de profunda reflexión con su psicólogo hasta uno de sus últimos conciertos, pasando por el proceso de creación de sus canciones.

postheadericon Winter Sleep


Los diversos festivales de cine europeos son excelentes plataformas de distribución para cientos de cintas que, de otra forma, jamás llegarían a entrar en un circuito comercial que las mueva a nivel mundial. Para el director de origen turco Nuri Bilge Ceylan, el Festival de cine de Cannes supuso un trampolín de salida que le permitió darse a conocer ya en los años 90, y más aún con sus más recientes obras que están llamando especialmente la atención de la crítica profesional. En 2014, tras su paso por el festival en varias ocasiones, recibe finalmente el máximo reconocimiento de Cannes por su obra Winter Sleep.

Un anciano actor ya jubilado se ha retirado a dirigir un hotel en Anatolia. Se encuentra distanciado de su joven mujer, y llegado el invierno, en la soledad del edificio, Aydin se afligirá por la deriva que ha tomado su vida. 

postheadericon The Congress


Dos grandes autores se dan cita en la última película de Ari Folman, The Congress. Uno de ellos es el propio director, Folman, que hace cinco años se dio a conocer con esa pequeña gran joya que es Vals con Bashir, un film inteligente, profundo y muy hermoso. El otro es ese gran escritor polaco de ciencia-ficción que fue adaptado hace ya cuarenta años por Andrei Tarkovsky,: Stanislaw Lem. El director israelí adapta al escritor en su última película; tras cinco años de espera las expectativas habían ido creciendo, y el resultado ha sido bastante decepcionante.

Robin Wright interpreta a Robin Wright, una actriz venida a menos a la que le ofrecen dejar la interpretación para siempre con un sueldo fijo a cambio de que preste su cuerpo para ser escaneado y posteriormente animado, creando películas con su imagen sin que ella actúe realmente. Veinte años después Robin asiste a un Congreso de futurología (título del libro de Lem), pero al cruzar un paso a nivel pasará del mundo real a otro onírico y surrealista en el que la imagen real se transforma en animación que recuerda a la de Osamu Tezuka, Walt Disney e incluso, en momentos puntuales, Hayao Miyazaki.

postheadericon Sangre fácil


La filmografía de los hermanos Coen, si bien resulta irregular y tiene grandes tropiezos, en conjunto ofrece un balance muy positivo. Con obras como Fargo, No es país para viejos, Un tipo serio o Valor de ley, resulta innegable que son dos de los cineastas más brillantes de los últimos veinte años, poseedores de un estilo propio muy claramente marcado por un particular humor negro que son capaces de imprimir en los géneros más inverosímiles. Desde sus primeras obras dejaban ver que tenían un altísimo potencial, talentosa originalidad y un estilo personal definido. Con Sangre fácil, su ópera prima, consiguieron rápidamente llamar la atención de la crítica y sentar las bases de lo que posteriormente sería su excelente carrera cinematográfica.

Abby es una atractiva joven casada que se escapa con su amante, Ray. Su marido, Julian, para quien trabaja Ray, es un tipo violento y vengativo incapaz de soportar la traición de su mujer, por lo que contrata a un investigador privado para que asesine a ambos fugitivos. La situación no tardará en enredarse, las traiciones se suceden y los engaños y la desconfianza complicarán esta desesperada y violenta huida.

postheadericon Magical Girl


En 2011 se estrenó vía online el primer largometraje de Carlos Vermut, director conocido únicamente por tener unos cuantos cortometrajes en su filmografía, entre los que destaca Maquetas, ganador de la séptima edición del Notodofilmfest. Mientras que los cortos que ha realizado son interesantes pero no especialmente destacables, su ópera prima, Diamond Flash, demostró que nos encontrábamos ante un emergente y excepcional nuevo talento de nuestro cine. Aunque la distribución no se realizó a través de salas, más que una proyección en Madrid, la obra atrajo la atención de múltiples críticos que avalaron su original propuesta. El boca a boca y las positivas críticas que despertó le sirvieron para levantar un proyecto mucho más serio y dentro de los circuitos comerciales cinematográficos tradicionales: Magical Girl.

Luis es un profesor en paro cuya hija de doce años tiene un cáncer terminal inoperable. Ante el avanzado estado de la enfermedad de Alicia, Luis quiere regalarle el traje de una serie anime que a ella le encanta, pero debido a la precaria situación económica en que se encuentra le resulta casi imposible. El padre terminará optando por chantajear a una desconocida para tratar de obtener la altísima suma de dinero que necesita para el capricho de Alicia. Luis pasará el testigo protagonista a Bárbara, que tratará de obtener el dinero que el primero le exige adentrándose en un mundo sórdido y peligroso. Cerrando el trío protagonista está Damián, cuyo pasado está íntimamente ligado al de Bárbara, y cuyo presente lo estará al de Luis.
viernes, 19 de diciembre de 2014

postheadericon La trilogía de Hitoshi Matsumoto


Muchos son los directores del panorama internacional a los que tenemos difícil acceso en nuestro país y que pasan desapercibidos tanto para el gran público como para muchos cinéfilos expertos en rebuscar en el cine más desconocido y apartado de los circuitos comerciales. En tierras asiáticas encontramos muchos ejemplos de grandes artistas con poco movimiento de su cine fuera de sus fronteras, y entre ellos se encuentra el interesante Hitoshi Matsumoto, que ya posee en su carrera cinematográfica cuatro largometrajes.

El cine del japonés se caracteriza por una profunda puesta en práctica de lo absurdo y lo ridículo a través de la comedia. Su particular sentido del humor resulta muy acertado en algunas de sus obras, mientras que en otras ocasiones llega a ser cargante. Matsumoto, que no se contenta con escribir y dirigir sus cintas sino que debe interpretar también el papel principal, crea un personaje característico que cruza transversalmente toda su filmografía: un verdadero perdedor, un infantil y patético personajillo que se ve sobrepasado por las situaciones a las que debe enfrentarse y que no llega realmente nunca a lograr su objetivo, principalmente por culpa de su propia estupidez.

postheadericon The Story of Film: una odisea


Al contrario que la historia de otras artes, excesivamente prolongada en el tiempo como para tener la certeza de que poseemos todos los datos de su evolución, los cien años que conforman la del séptimo arte resultan especialmente abarcables. No obstante, que resulte más asequible no resta complejidad a dicha tarea. La rápida evolución del cine está llena de paradas ineludibles para poder entender el conjunto, sin perder de vista el desarrollo paralelo, pero diferenciado, de los diferentes países, o el lastre que supone la pérdida de tanto material en los primeros años del cinematógrafo, hasta que fue considerado como un arte.

En The Story of Film: una odisea, de la mano de Mark Cousins se realiza un exhaustivo repaso a lo largo de quince horas de documental que adaptan su libro homónimo. Habiendo podido quedarse tan solo en la superficie y ser muy general, Cousins apuesta por ejemplificar las épocas de cambio que se han ido produciendo a lo largo de estos cien años mediante casos concretos que lo ilustren a la perfección. De esta forma se arriesga a que los árboles no permitan ver el bosque, pero por suerte es capaz de mantener buen pulso en todo momento y de aportar una visión amplia y a la vez detallada.

postheadericon Un toque de violencia


China ha visto reprimida su libertad de expresión y su arte durante muchas años, que perdura aún en la actualidad. Pero en las últimas dos décadas se han levantado las prohibiciones sobre ciertos tabúes lo que directores como Zhang Yimou o Chen Kaige han sabido aprovechar en La linterna roja o Adiós a mi concubina. No obstante la lucha contra la represión del gobierno chino aún se mantiene férreamente; artistas como el conocido Ai Weiwei arremeten contra ella desde diferentes ámbitos artísticos. Uno de los implicados más actuales es el director de cine Jia Zhang Ke, que en su más reciente cinta, Un toque de violencia, vuelve a hablar de la tensa situación de su país.

Cuatro historias en cuatro provincias distintas que muestran una China enferma por la violencia sin control. Dahai es un minero que llega a la conclusión que mediante la palabra jamás conseguirá acabar con la corrupción de todos aquellos que le rodean, por lo que decide salir a la calle armado con un rifle y tomarse la justicia por su mano. San'er se gana la vida perpetrando brutales crímenes para mantener a su familia y está tan acostumbrado a su trabajo que ni tan siquiera pestañea a la hora de llevar a cabo sus asesinatos. Xiaoyu, desde que recibe una brutal paliza por parte de la esposa del hombre con el que mantiene una relación, se verá expuesta en varias ocasiones a explosiones inesperadas de violencia hasta el punto que no soportará más y terminará por estallar. Xiaohui entra a trabajar como guarda de seguridad en un prostíbulo de alto nivel y se enamorará de una de las chicas, una relación inviable en el mundo en el que viven.

lunes, 27 de octubre de 2014

postheadericon Madre e hijo


Hasta hace muy poco, Rumanía no poseía la menor presencia en el panorama cinematográfico, y mucho menos podíamos hablar de una industria. No obstante, gracias a films como La muerte del Sr. Lazarescu o 4 meses, 3 semanas, 2 días, de los abanderados de este nuevo cine rumano, Cristi Puiu y Cristian Mungiu, el escaso cine que se genera en este país comienza a tener mayor repercusión a nivel mundial, llegando a ser reconocidos en el prestigioso festival de Cannes incluso con el máximo galardón a mejor película. Siguiendo los caminos abiertos por estos directores, llegan otros que tratan de seguir sus pasos, como Calin Peter Netzer, que recibe el Oso de Oro en el Festival de Berlín por su trabajo Madre e hijo.

Cornelia Keneres es una mujer de avanzada edad y elevada posición social que hace mucho que no sabe nada de su único hijo, Barbu. Un día le llega la noticia de que Barbu, conduciendo a más velocidad de la permitida, había atropellado y matado a un niño. La mujer se pondrá, de inmediato, a hacer todo lo que esté en su mano para tratar de salvarle de la cárcel sin importarle, en su desesperación, cualquier falta de respeto ante la ley o las autoridades. La falta de su hijo merece un castigo, pues resulta innegable que el error es enteramente suyo, no obstante eso no parece importarle, tan solo que salga impune de esta situación.

postheadericon The Fake


A propósito de Magical Girl, su más reciente película, Carlos Vermut comentaba en una entrevista para la revista Caimán cuadernos de cine que los directores coreanos contemporáneos no se avergüenzan de su propia cultura, que la han asimilado y la incorporan a su cine para ubicar sus historias en ella. El cine coreano actual posee una identidad propia, además de lograr la perfecta sinergia entre lo comercial y la calidad más cercana al cine de autor, pero esto viene sucediendo durante los últimos quince años aproximadamente. A pasos agigantados, una industria que se encontraba eclipsada por la de otros países asiáticos ha ido ganando protagonismo y gran prestigio en el panorama actual hasta llegar a ser un claro referente para muchos directores de todas partes del globo. Tanto la afirmación de Vermut como las anteriores no sorprenden ya a nadie, pero sí resulta desconcertante que Corea se sitúe entre los países que mayor cantidad de animación genera a nivel mundial. Si ya la distribución del cine de los grandes abanderados del Nuevo Cine Coreano resulta difícil en muchas ocasiones en nuestro país, aún más difícil es conseguir alguna cinta de animación de allí, aunque existen algunos ejemplos escasos, como es el de The Fake de Yeong Sang-ho.

ÚLTIMO PROGRAMA

Aquí tenéis el último podcast, el cual fue emitido el pasado lunes en la 89.6 FM en Radio Betis, si vives en Sevilla o por streaming en http://www.realbetisbalompie.es/multimedia

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