lunes, 21 de abril de 2014

postheadericon Upstream Color


El realizador Shane Carruth sorprendió en 2004 con su ópera prima, Primer, que muchos alabaron por su originalidad y por tratarse de un nuevo punto de vista al abordar la ciencia-ficción mediante un mensaje críptico y prácticamente indescifrable, una película que plantea muchas cuestiones sin llegar a responder a ninguna de ellas. Mientras que esta no pasaba de ser una buena idea que no llegaba a cristalizar, nueve años después, su segunda y hasta el momento última película, terminó de definir por completo su estilo, llamando verdaderamente la atención a cerca de la calidad del realizador. Upstream Color es todo lo que Primer trató de ser sin lograrlo, y muchísimo más.

Kris y Jeff se sienten atraídos de una forma que no terminan de comprender, como si se tratase de algo que estuviera por encima de ellos y que no pudiesen controlar. Efectivamente, cuando comienzan a investigar descubren que ambos han entrado en contacto con una extraña sustancia que se encuentra en algunos gusanos que conecta a diferentes personas de una forma extrasensorial, un extraño hermanamiento entre diversos desconocidos y unas fuerzas naturales desconocidas.

postheadericon El último de los injustos


El filósofo esloveno Slavoj Zizek comentaba en uno de sus artículos que, independientemente de su incuestionable calidad, el mastodóntico documental Shoah es unánimemente reconocido como obra maestra debido a su desproporcionado metraje y a que mucha gente ha sido incapaz de visionarlo por completo, dejando una sensación de culpa en el espectador que trata de suplir con alabanzas. Si bien la obra magna del director francés Claude Lanzmann ya duraba de por sí la friolera de nueve horas y media, aún más material quedó desechado en la mesa de montaje, entre el que se cuenta el que en 2013 originaría El último de los injustos.

Benjamin Murlmenstein fue el tercer y último presidente del Consejo Judío del campo de concentración de Theresienstadt. Este se presentó como un escaparate para el mundo en el que el Tercer Reich trataba de demostrar que su trato a los judíos no era, ni mucho menos, tan terrible. En las entrevistas grabadas durante 1975, en uno de los once años que Lanzmann dedicó a realizar todas las entrevistas para su documental, Murlmenstein cuenta el verdadero rostro oculto de este terrible infierno.

postheadericon Eraserhead


David Lynch no necesita presentación alguna, es uno de los mejores directores del panorama contemporáneo, y esto se puede extender a toda la historia del cine. Obras como Mulholland Drive o Terciopelo azul han sido incluidas por múltiples críticos de todo el mundo entre sus películas favoritas, y cada vez que realiza un nuevo film no recibe más que alabanzas. La carrera del mítico cineasta, tras unos cuantos cortometrajes, comenzó pisando fuerte con una de sus obras cumbres, una cinta en la que ya definía su universo oscuro, surrealista y sugerente, además de un marcado estilo visual: Eraserhead.

Henry Spencer es un hombre extraño e introvertido que sufre constantemente pesadillas insoportables. Un día, tras visitar a una antigua novia, descubre que es padre de un monstruoso engendro que se verá obligado a cuidar junto a la chica a la vez que sufrirá unas visiones de una chica de rostro deforme en un escenario situado tras su radiador.

domingo, 13 de abril de 2014

postheadericon Lesson of the Evil


Tkashi Miike está dejando fríos con sus últimos trabajos a muchos de sus "incondicionales" o de sus seguidores de largo trayecto. Aquellos que se iniciaron en su cine con cintas como  Fudoh  o Ichi the killer le achacan que se contenga en sus últimas obras. Los que veían en él al deconstructor de géneros por excelencia, a uno de los principales gamberros del cine se sienten abandonados por el director. Y es que, parece ser, Miike ha reposado sus torrenciales aguas creativas y sus últimas películas, de mayor recorrido festivalero, son más pausadas y alejadas de la visión que gran parte de Occidente tenía del realizador.

Con Lesson of the Evil Miike parece querer reconciliar a parte de su público con su labor. Nos narra la historia de Hasumi Seiji (Interpretado por Hideaki Ito, quien ya participó con Miike en Sukiyaki Western Django), un profesor de secundaria con problemas mentales. Un psicópata incapaz de empatizar con su alrededor y cuya una diversión es la música y asesinar. Así, Hasumi idea un maquiavélico plan para ir eliminando a parte de su alumnado y compañeros de profesión. Sus víctimas no parecen tal, siempre lo planea y organiza todo para que parezca un suicidio. En el momento en que su labor se tuerce toma una dura decisión: todos tendrán que morir. 
jueves, 3 de abril de 2014

postheadericon La gran belleza


Federico Fellini es por todos conocido como uno de los más grandes cineastas de la historia, poseedor de un universo personal e inconfundible, y con un poder de evocación inconmensurable. Su mundo es tan particular y característico que muchos otros autores se han acercado a él de diferentes formas, mediante los homenajes, las claras referencias o incluso sumergiéndose en sus propias recreaciones de universos fellinianos que, si bien en algunas ocasiones se le han acercado, nunca se ha conseguido captar con tanta fuerza como en La gran belleza. Sorrentino no se limita tan solo a referirse al gran cineasta, sino que construye una película muy personal en la que algunos de sus pilares básicos son lo onírico, los rostros pintorescos, la alocada vida nocturna romana y la crítica a una sociedad enmarcada en su correspondiente época.

En una ciudad tan hermosa y mágica como es Roma, Jep Gambardella, un escritor que hace décadas escribió su último y único título, forma parte de una decadente burguesía que no hace más que ir de fiestas, llevando una vida vacía e irrelevante. A sus sesenta y cinco años, Gambardella está muy cómodo en la posición en la que se encuentra, pero comienza a darse cuenta de lo insulsa que resulta su vida y que aún puede llegar a alcanza esa gran belleza que ha estado buscando durante toda su vida.

postheadericon Una vida sencilla


Resulta muy fácil caer en el melodrama barato y en la lágrima fácil cuando se tiene una historia de interés humano que tratar, lo cual explica en muchas ocasiones nuestro escepticismo ante algunas historias que se plantean como tiernas y emotivas. Lo que podría tratarse de una buena película en muchas ocasiones se termina aguando como consecuencia de cargar innecesariamente las tintas para emocionar forzadamente al espectador. Por suerte, este no es el caso de la delicada e inteligente Una vida sencilla, de la hongkonesa Ann Hui.

Ah Tao ha sido la sirvienta de la familia Leung durante varias generaciones, una mujer fuerte y trabajadora con un pasado triste y una vida solitaria en lo sentimental. Ahora vive en Hong Kong con el hijo de la familia, ya convertido en un ajetreado productor de cine, hasta que la anciana sufre un derrame cerebral y se ve obligada a ingresar en un geriátrico. Tras tantos años de cuidado casi materno por parte de Ah Tao, Roger encuentra el momento idóneo para poder devolver todos los favores; ahora que se ha visto obligada a jubilarse, la relación de servidumbre se convierte en amistad en los últimos años de la anciana.

postheadericon Camille Claudel 1915


En Camille Claudel 1915 se dan cita tres nombres realmente interesantes. Por un lado tenemos a la magnífica actriz Juliette Binoche, quien se interesó de inmediato por el proyecto y aceptó todas las condiciones que el director le impuso, como actuar sin guión y sin maquillaje, imposiciones que por lo general no son del agrado de la actriz. Por otro se encuentra Bruno Dumont, un artista con voz propia y definida, con extraños y premiados títulos en su filmografía como Hors Satan. Y por último está la propia Camille Claudel, la escultora francesa amante de Rodin que terminó sus días en un sanatorio mental, aunque la figura histórica está desdibujada para que la propia Binoche aporte de sí misma y pueda dejar a un lado el personaje en sí.

Camille Claudel lleva dos años confinada en el sanatorio mental que está terminando de consumir lo poco que le queda de cordura. Cree apreciar un leve rayo de esperanza una vez se entera que su hermano va a pasar a visitarla, su oportunidad para hablar con él y conseguir escapar de su cárcel. Volcará en ello todas sus esperanzas, pero su hermano no parece que vaya a ceder a las súplicas de Camille.

postheadericon Seducidos y abandonados


El cine es una industria, y como tal busca sacar beneficio de los productos que realiza, por lo menos en esto ocurre con la mayoría de las producciones cinematográficas. Aunque también es cierto que se trata de una industria inmisericorde que no duda en utilizar el último cargamento de caras famosas de la semana para embolsarse ganancias y después desecharlos como si nada, y esto es algo intrínseco al propio medio, no olvidemos como Griffith acabó convertido en un mendigo y Buster Keaton murió olvidado por todos. En Seducidos y abandonados, James Toback y Alec Baldwin se adentran en los entresijos del mercado cinematográfico para mostrar los engranajes de este glamuroso mundo.

Actor y director viajan al Festival de Cannes de 2012 para tratar de vender una película titulada El último tango en Tikrit. Teniendo en cuenta que Baldwin es un actor que lleva varios años encasillado en la televisión, que Toback no es especialmente conocido, que carecen de guión pero plantean su película como un montón de sexo sin sentido y que piden una elevada suma para la producción, no es de extrañar que todos eviten contribuir a ella.

martes, 1 de abril de 2014

postheadericon "The midnight meat train" o "El vagón de la muerte"

Ryûhei Kitamura quizás no sea un nombre muy conocido en Occidente. Sin embargo, en Japón es una figura de renombre con casi una veintena de películas a sus espaldas. El realizador nipón ha hecho un buen repaso a diferentes géneros tales como el kaiju-eiga con una versión de Godzilla (2004) o adaptaciones de manga como Azumi (2003). Un realizador sin lugar a dudas ligado al cine de terror y al gore que encaja a la perfección con la historia de la película. 

Basada en un relato homónimo de uno de los padres del terror contemporáneo, Clive Barker. Barker ya tiene un largo recorrido en el mundo audiovisual tanto como realizador, guionista y productor. Un hombre orquesta del terror que en esta ocasión ejerce de productor de la película. 

domingo, 9 de marzo de 2014

postheadericon Caníbal


Antonio de la Torre es, sin lugar a dudas, uno de los mejores actores españoles de la actualidad, con una fama más que merecida y una amplia carrera que se extiende a lo largo de veinticuatro años y más de cincuenta papeles para la gran pantalla, entre los que destaca su payaso en Balada triste de trompeta o el obeso Enrique en Gordos. Cuando este gran actor se une al prestigioso almeriense Manuel Martín Cuenca para realizar Caníbal las expectativas suben como la espuma; pero por desgracia el resultado no se encuentra a la altura de lo que cabría esperar.

Carlos es un sastre granadino, una persona introvertida que no tiene trato prácticamente con nadie y aparenta ser completamente inofensivo. Pero no es así, oculta un oscuro y terrible secreto, en realidad es un verdadero monstruo incapaz de empatizar con el sufrimiento ajeno y amante de la carne humana, por lo que nada le frena a la hora de asesinar brutalmente a mujeres para después despedazarlas y devorarlas. Pero todo cambiará cuando conozca a la hermana de su vecina, Nina, por la que sentirá una verdadera atracción, no aquella malsana que le conduce a cometer asesinatos; tratará de alejarla de sí pero resultará inútil, el diabólico Carlos deberá afrontar sus propios sentimientos que tan desconocidos le resultan.

ÚLTIMO PROGRAMA

Aquí tenéis el último podcast, el cual fue emitido el pasado lunes en la 89.6 FM en Radio Betis, si vives en Sevilla o por streaming en http://www.realbetisbalompie.es/multimedia

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