jueves, 26 de mayo de 2016

postheadericon Alejandro Jodorowsky


La figura del artista chileno Alejandro Jodorowsky es absolutamente fascinante, ha escrito, interpretado y dirigido cine y teatro, ha escrito novelas, poesía, ensayos y guiones de cómics, ha probado como mimo, pintor, escultor y compositor de bandas sonoras, además de haber inventado una disciplina a la que llama psicomagia, y especializado en el estudio del tarot. Con esta presentación bien podría parecer que se trata de un lunático, o que trata de abarcar mucho sin lograr profundizar y acertar en ninguno de estos campos, sin embargo se trata de un importante artista con un muy amplio recorrido y con una serie de ideas muy claras que suelen impregnar sus obras. De esta forma son varios los medios en los que el nombre de Jodorowsky es considerado sinónimo de calidad: para el cómic ha escrito los guiones de La casta de los Metabarones y El Incal, que son considerados excelentes en su medio, mientras que en cine tiene una breve filmografía con varios títulos que han tenido una importante influencia y un reconocimiento casi unánime.

postheadericon The Assassin


El wuxia, o género de artes marciales, ha influenciado profundamente a toda una generación de directores de cine asiáticos que aún siguen en activo en la actualidad, y que, de una u otra forma, han rendido su particular homenaje a este género. Ejemplo de ello son cineastas tan reconocidos como Ang Lee o Wong Kar-Wai, que dirigieron respectivamente Tigre y dragón y The Grandmaster, que suponían sus personales acercamientos a este cine que tanto les marcó en su infancia, y a los que más recientemente se suma el prestigioso taiwanés Hou Hsiao Hsien con The Assassin. Aunque viendo los dramas intimistas y silentes que caracterizan a su cine resulte difícil de creer, Hou ha logrado una obra que ha despertado profundamente el interés de la crítica y la ha polarizado en dos extremos, el que la aclama como una obra maestra y el que la desecha como una pedantería vacua.

En China, en el siglo IX durante la dinastía Tang, la joven hija de nobles Nie Yinniang es entregada a la líder de una banda de asesinos para su educación. Años después regresa convertida en una implacable asesina con la misión de matar a varios políticos, entre los que se cuenta su primo y antiguo prometido Tian Ji'an. De esta forma se le planteará a Yinniang un terrible dilema: mantener su palabra a su maestra o salvar al hombre al que ama.
lunes, 9 de mayo de 2016

postheadericon Tres colores


El prestigioso director polaco Krzysztof Kieslowski es considerado por muchos como uno de los mejores autores de la historia del séptimo arte. Desarrolló gran parte de su filmografía en su Polonia natal, comenzando por una etapa plenamente centrada en el documental para posteriormente introducirse en la ficción, desarrollando siempre sus temas más recurrentes, principalmente los dilemas morales y cómo estos afectan a las personas. Tras realizar a finales de la década de los 80 su obra de mayor envergadura, El decálogo, formada por una serie de diez capítulos para la televisión y dos películas para el cine en la que reflexionaba acerca de los diez mandamientos desde un punto de vista contemporáneo, se trasladó a Francia para realizar allí sus últimas películas, entre las que se cuentan las que conforman su trilogía dedicada a la bandera francesa: Tres colores.

Tomando como base el lema de la República francesa, Libertad, Igualdad y Fraternidad, Kieslowski dedica a cada uno de estos términos una cinta a la que asocia con un color de la bandera, construyendo una reflexión sobre la propia condición humana. En Azul Julie debe superar la pérdida de su marido y su hijo en un terrible accidente de tráfico al que ella logró sobrevivir. En Blanco Karol, un inmigrante polaco, regresa a su país natal después de que su esposa, Dominique, le exija el divorcio alegando la impotencia pasajera de su marido y la falta de consumación de su matrimonio. En Rojo, por puro azar, Valentine conoce a un juez jubilado que espía las conversaciones telefónicas de sus vecinos, lo que provoca en la chica repulsión pero a la vez cierta inconfesable atracción.

postheadericon Apología/Antología


La conservación de nuestro patrimonio cultural aquí en España puede resultar muy cuestionable en gran diversidad de disciplinas, y el cine no es ni mucho menos una excepción. Mucho hemos tenido que esperar a que editen con la calidad que se merecen algunos clásicos de nuestro cine, como Viridiana o Plácido, y otros muchos siguen permaneciendo a la espera, lo cual resulta muy lamentable teniendo en cuenta que en algunas ocasiones existen mejores copias de estas obras fuera de nuestras fronteras que dentro. Esto nos permite apreciar lo poco que se llegan a valorar estos productos culturales que caen fácilmente en el olvido y el deterioro por la falta de cuidado, y si ya están expuestos los grandes títulos a estos problemas, los mayores afectados son sin duda aquellos que no se encuentran en los circuitos comerciales más habituales, como pueden ser los cortometrajes o los documentales. La editora Cameo ha impulsado importantes iniciativas para preservar este patrimonio, ya lo hizo con su excelente pack Del trazo al píxel: un recorrido por la animación española, en el que se recopilaba una gran cantidad de cortos, películas y anuncios televisivos que resultan casi imposible encontrar por otros medios, y ahora muestran su apoyo al material en vídeo de carácter experimental con Apología/Antología: recorridos por el vídeo en el contexto español.

lunes, 15 de febrero de 2016

postheadericon El club


La filmografía del director Pablo Larraín está marcada casi en su totalidad por una gran implicación social que le lleva tanto a denunciar horrores del pasado de su país como algunos más actuales y que, por desgracia, se encuentran muy presentes en las noticias diarias. La dictadura de Pinochet tiene un papel destacado en el cine del chileno, en Tony Manero y Post Mortem muestra la represión y los crímenes realizados durante la misma, mientras que en No aborda el fin del régimen, trabajo que le valió una nominación a los Oscar como Mejor Película de Habla No Inglesa. En su última película, El club, Larraín vuelve a abordar un tema terrible, en esta ocasión de rabiosa actualidad.

En un pequeño pueblo costero se encuentra un gran caserón en el que se esconden cuatro antiguos curas. Están vigilados por la atenta mirada de una celadora, ya que su retiro tiene como finalidad que reflexionen sobre sus terribles pecados y que traten de expiarlos. Con la llegada de un quinto miembro, la presencia de estos curas comienza a llamar la atención de algunos de los habitantes del pueblo, por lo que serán investigados para comprobar si la casa de reclusión realmente está cumpliendo su función.

postheadericon Taxi Teherán


El cine de Jafar Panahi está íntegramente condicionado por la sociedad en la que le ha tocado vivir. El director no abandona sus intenciones artísticas, sin embargo, la denuncia social que sirve de columna vertebradora a todo su trabajo tiene tanta presencia que se coloca en primer término, eclipsando a todo lo demás. Denuncia social, por otro lado, completamente necesaria, ya que en Irán, país de nacimiento y en el que ha permanecido toda su vida, la represión de un régimen totalitario coarta la libertad de expresión de todo aquel que coloque en tela de juicio al gobierno. Panahi es un luchador por la libertad, arremete contra el machismo y la pobreza, contra la educación y el maltrato que sufre la cultura en Irán y, por supuesto, estas constantes vuelven a hacerse latentes en su último trabajo: Taxi Teherán.

En esta cinta, el propio Panahi se convertirá en taxista para poder estar en contacto directo con los habitantes de Teherán, mostrando de esta forma las historias de todos los clientes que tendrá a lo largo de un día. Cada uno de estos pondrá en evidencia algunos de los muchos problemas existentes en la sociedad iraní, y aunque en la superficie el film parece realmente amable, la crítica es contundente. A pesar de lo que muchos parecen haber entendido no se trata de un documental, sino de una película de ficción con tintes que la acercan al documental, un juego metacinematográfico que ya ha utilizado con anterioridad en su filmografía.

postheadericon Les revenants 2ª temporada


La primera temporada de Les revenants añadió originalidad a un género tan manido y repetitivo como es el de los zombies. Una vuelta de tuerca bien planteada les convertía de agresores en víctimas: los asustados vivos repudiaban a los muertos porque eran incapaces de comprender su regreso y los retornados estaban confusos y desorientados después de la traumática experiencia. De esta forma se le daba una carácter más humano y cercano, parecía más un estudio de personajes que a una historia de terror, aunque este también tenía su presencia. Algo extraño ocultaban los muertos, muchos de ellos desconocían el qué, pero una atmósfera enrarecida flotaba sobre la ciudad desde que los fallecidos comenzaron a levantarse. La serie sembraba muchas incógnitas que necesitaban respuesta, y cuando terminó la primera temporada formada por ocho episodios, dejando totalmente en ascuas a los espectadores, hubo que esperar tres años para poder ver su continuación.

La segunda temporada retoma donde lo dejó la primera: todos los retornados se han unido en una horda y se han alejado de los vivos, mientras que estos han tenido que abandonar sus hogares y realojarse en casas temporales. El ejército y un perito llegan para ayudar a los damnificados, encontrar a los desaparecidos y descubrir cual es el estado actual de la presa. Los muertos han cruzado el gran lago y viven en un barrio residencial desértico mientras que algunos de los vivos tratan de encontrarlos sin éxito alguno. Nuevas incógnitas, sí. Pero no es lo mismo.

postheadericon La calle de la amargura


La extensa filmografía de Arturo Ripstein comenzó a mediados de los años 60, y desde entonces ha realizado más de treinta largometrajes, a través de los cuales ha ido construyendo un universo propio y característico, una personalísima visión de México extravagante y plagada de personajes pintorescos. Ya con quince años, Ripstein visitó el rodaje de Nazarín, y con diecinueve fue ayudante de Luis Buñuel en el rodaje de El ángel exterminador; estos fueron sus primeros acercamientos al séptimo arte y, como no podía ser de otra forma, la influencia del director aragonés dejó una profunda marca en la obra del mexicano. A sus sesenta y dos años, y tras cuatro años sin ponerse tras la cámara, Arturo Ripstein vuelve con La calle de la amargura.

Dos prostitutas de un barrio marginal, con sus respectivos problemas familiares, no ganan lo suficiente como para mantenerse y acaban planeando un plan para drogar a dos clientes y robarles cuando contraten sus servicios. Su objetivo es una pareja de hermanos que trabajan como luchadores enanos en lucha libre, que jamás se quitan las máscaras, ni dentro ni fuera del ring, y que buscan relajarse tras finalizar un combate. Lo que estaba planteado como un hurto menor termina complicándose y convirtiéndose en un terrible crimen.
viernes, 15 de enero de 2016

postheadericon Lo que hacemos en las sombras


El tándem creativo que se encuentra tras la dirección y la escritura de Lo que hacemos en las sombras está formado por Jemaine Clement y Taika Waititi, dos artistas que han desarrollado sus respectivas carreras adoptando muy diversos cargos dentro de la creación cinematográfica. En el caso de Watititi ha trabajado principalmente tras la cámara como guionista y director, llegando incluso a estar nominado al Oscar por su cortometraje Two Cars, One Night, aunque también suele introducirse en sus cintas como actor. Por otro lado, Clement ha figurado generalmente como actor y se ha implicado en varias ocasiones en la banda sonora. En Lo que hacemos en las sombras además de compartir trabajo tras la cámara interpretan dos de los papeles protagonistas, adaptando a largo lo que anteriormente ya hicieron en formato cortometraje.

Cinco vampiros que comparten casa empiezan a ser grabados por un grupo de documentalistas que buscan hacer un retrato de su estilo de vida. Las personalidades de los cinco compañeros resultan radicalmente opuestas entre sí, y cada uno más peculiar que el anterior, por lo que la convivencia puede llegar a ser difícil en ocasiones, lo que se agrava aún más debido a su condición de vampiros.

postheadericon Leos Carax


La breve filmografía de Leos Carax está formada exclusivamente por cinco largometrajes y unos cuantos cortos a lo largo de más de treinta años, sin embargo, ya desde su ópera prima el director francés demostró la gran personalidad que poseía su cine y que se trataba de un autor con un mundo propio por desarrollar. Sus influencias cinematográficas son claras, se coronó desde el principio como el nuevo enfant terrible heredero de Jean Luc Godard y la nouvelle vague, resulta patente la importancia que tiene la música en su cine, o su gran interés en el cine mudo y en la transmisión de sensaciones a través de la expresión corporal, además de sus temas recurrentes como son la soledad y el amor, y aunque todo esto pueda parecer manido en una primera impresión, Carax realmente tiene una voz propia con mucho que decir. 

Se puede apreciar una evolución argumental a lo largo de sus películas. En Boy Meets Girl el chico busca desesperadamente a alguien a quien amar, pero no será hasta prácticamente el final del film cuando lo logre, y además de no ser correspondido contribuirá accidentalmente al asesinato de ella. Mientras el tono general de su ópera prima es muy apesadumbrado y descorazonador, Mauvais sang es la absoluta exaltación romántica; Alex es reservado y silencioso, pero cuando conoce a Anna sus sentimientos por ella le cambian, un incontenible nerviosismo le recorre el cuerpo hasta el punto de tener que aplacarlo tumbando un coche o corriendo y saltando por la calle.

ÚLTIMO PROGRAMA

Aquí tenéis el último podcast, el cual fue emitido el pasado lunes en la 89.6 FM en Radio Betis, si vives en Sevilla o por streaming en http://www.realbetisbalompie.es/multimedia

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